XAVIER ESCRIBA

" Je cesse de dessiner, écrit Xavier Escribà au début des années 90, je cesse d'exister, je continue de peindre. " La pratique picturale de Xavier Escribà est marquée par une succession d'abandons. Le peintre peu à peu a choisi de se retirer du tableau, de " réduire au minimum les possibles et arbitraires décisions d'ordre romantique " pour laisser la peinture exister seule. La personnalité de l'artiste ne doit pas s'interposer entre l'œuvre et le spectateur. Ce qui peut être de l'ordre d'une signature singulière est abandonné : la figure tout d'abord mais aussi le dessin, le geste, quitte à " ne pas montrer tout ce que l'on sait ou peut faire ".
De la peinture, Escribà ne garde que ce qu'il juge essentiel : la matière, en superposition de couches épaisses, jusqu'à former une " peau " qu'il pourra retravailler à sa guise ; la couleur, six couleurs, essentielles, gamme contrastée de primaires et secondaires.
Xavier Escribà inverse les polarités, contredit les hiérarchies traditionnelles. Il oublie le geste du peintre, dépose, superpose les couches de couleurs acryliques, puis gratte, creuse, redécouvre la toile jusqu'à la trouer parfois. Récupère les reliquats de ces grattages, coquillages de couleur, les accumule pour créer un autre objet. " Qu'est ce qui est le plus important : peinture appliquée ou récupérée ? " Xavier Escribà veut " connaître et faire connaître ce qu'il y a derrière les choses ", la " face occulte de la peinture ". L'intérieur devient aussi important que la surface, l'envers que l'endroit, le dessous que le dessus. Quand " la toile ne recueille pas la peinture la peinture recueille la toile ". Xavier Escribà prend cet objet, cette " peau " de toile et de peinture, le découpe, le plie, l'enroule. La peinture traverse le seuil de la sculpture. L'artiste préfère le terme d' " objet pictural " plus apte à rendre compte de ces productions à mi chemin entre peinture et sculpture.
On a dit et redit que tout avait été fait en peinture. Xavier Escribà est de ces jeunes peintres qui trouvent encore une manière propre de porter la peinture jusqu'à ses dernières conséquences, pour approcher les limites de la forme picturale contemporaine. Jusqu'à " se rendre compte, avec une grande surprise, que finalement il y a de la peinture là où on ne croyait pas en voir".